Proyecto 4
La cuna de la Humanidad
Arte clásico:
Grecia y Roma
El arte de la Antigua Grecia es el estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la «belleza ideal», recreando el «mundo ideal» del modelo platónico, o mediante la «imitación de la naturaleza» en el sentido de la mímesis aristotélica.
Grecia y Roma
El Arte Griego marca un referente para la civilización occidental que perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son tenidos como clásicos y los cánones escultóricos y los estilos arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la historia de Occidente.
Las principales características del Arte Griego son:
- Es un arte realista.
- Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en escultura.
- Es importante el desarrollo de la polis, la ciudad.
- Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un politeísmo de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea.
- La mitología está ampliamente representada, especialmente en escultura.
Periodos artísticos
El arte de la Antigua Grecia se divide estilísticamente en cuatro períodos:
· Geométrico
· Arcaico
· Clásico
· Helenístico.
El periodo geométrico se data en torno al año 10000 a. C., aunque se conoce poco sobre el arte griego durante los 200 años precedentes (tradicionalmente conocido como edad oscura griega).
El período del siglo VII a. C. atestiguó el lento desarrollo del estilo arcaico según lo observado por el estilo de pintura de 'figura-negra'.
El inicio de las Guerras Médicas marcará el final del período arcaico y el comienzo del clásico; el reinado de Alejandro Magno (336 a. C. a 323 a. C.) es tomado como la separación entre el arte clásico y el helenístico.
En realidad, no hubo ninguna transición radical entre un período y otro. Las distintas formas de arte evolucionaron a ritmos distintos en diferentes lugares del mundo griego, y como en cualquier época algunos artistas elaboraron estilos más innovadores. Fuertes tradiciones locales, el carácter conservador, y las exigencias de los cultos religiosos, permiten a los historiadores localizar los orígenes de obras de arte, incluso de las desplazadas.
PINTURA
Los griegos, como la mayoría de las culturas europeas, consideraban la pintura como una de las formas más altas de arte. Las obras de Polignoto de Tasos, que trabajó en el siglo V a. C., seguían siendo admiradas incluso 600 años después de su muerte, sin embargo no se han conservado ninguna de sus obras.
Los pintores griegos trabajaron generalmente sobre paneles de madera, que se estropeaban rápidamente. Hoy en día no queda casi ninguna pieza de pintura griega, excepto algunos restos de pinturas en terracota y de algunas pinturas en las paredes de tumbas, sobre todo en Macedonia e Italia. De las obras maestras de la pintura griega tenemos solamente algunas copias realizadas en las épocas romanas, la mayoría de ellas son de una calidad inferior. Las pinturas en cerámica, de las que han sobrevivido muchas piezas, sobre todo del período arcaico, dan un cierto sentido de estética a la pintura griega.
La pintura griega se divide en tres periodos (después del cretense y micénico ya nombrados que pueden considerarse como protohistóricos respecto de Grecia), a saber:
1. El de formación y arcaico que dura hasta el siglo V a. C., el cual se distingue por los resabios de influencias asirias y egipcias que revela en sus dibujos. La pintura de las vasijas correspondientes al primero de dichos periodos suele ofrecer desde mediados del siglo VIII a. C. las figuras de color negro sobre fondo amarillo o rojo (pues antes de dicha fecha consistía en dibujos de estilo geométrico y figuras estilizadas).
2. El de elegancia nacional o clásico, durante el siglo V a. C. y parte del IV a. C. en que se emancipó la pintura con Polignoto, seguido de Apolodoro, Zeuxis y Parrasio, muy correctos en el dibujo, atribuyéndose al primero la invención del claroscuro. Las vasijas de este periodo tienen las figuras rojas sobre fondo negro, siendo excepción los célebres lecitos blancos de tenas que sobre fondo blanquecino ostentan figuras polícromas.
3. El helenístico o de difusión desde mediados del siglo IV a. C. hasta dos siglos más tarde en que fue Grecia conquistada por los romanos. Las vasijas de este periodo que es la época de las grande ánforas decorativas o de lujo continúa casi en lo mismo que en el precedente pero con menor corrección y con cierto barroquismo en el dibujo hasta principios del siglo II a. C. en que cesan las figuras pintadas y se usan de relieve con uniforme color negro o rojo.
Pintura en cerámica.
Para hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas, cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte.
Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la denominación de geométrico que recibe este primer período (siglos IX y VIII a. C.) que apenas se destacaban sobre la superficie.
Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen. Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas denominadas "meandros". En un próximo paso, ya en el período arcaico (siglos VII y VI a. C.), se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas tendencias naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de las representaciones mitológicas.
Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su lectura girando la pieza de cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel los trazados se volvieron más exactos y detallistas. Las piezas de cerámica pintadas comienzan a experimentar una notable decadencia durante el clasicismo (siglos IV y V a. C.) para resurgir triunfantes en el período helenístico (siglo III), totalmente renovadas, plenas de color y ricamente decoradas.
ESCULTURA
Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas hechas en materiales muy maleables tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico (siglos VII y VI a. C.) que los griegos comenzaron a trabajar la piedra. Los motivos más comunes de las primeras obras eran sencillas estatuas de muchachos (kouros) y muchachas (korés). De formas lisas y redondeadas, estas figuras plasmaban en la piedra una belleza ideal.
 |
| Venus del Milo |
Durante el período helenístico (siglo III a. C.) se enfatizaron y sofisticaron las formas heredadas del clasicismo. Así, producto de esta recepción, surgieron obras de inigualable monumentalidad y belleza, como "El coloso de Rodas", de treinta y dos metros de altura. Cabe aclarar, que tanto por su función religiosa como decorativa, la escultura se hallaba estrechamente ligada a la arquitectura. Así lo evidencian los trabajos estatuarios de las fachadas, columnas e interior de los templos.  |
| La Victoria de Samotracia |
ARQUITECTURA
El templo fue, sin lugar a dudas, uno de los legados más importantes de la arquitectura griega a occidente. Era de una forma bastante simple: una sala rectangular a la que se accedía a través de un pequeño pórtico (pronaos) y cuatro columnas que sostenían un techo bastante similar al actual tejado a dos aguas. En los comienzos éste fue el esquema que marcó los cánones.
Del perfeccionamiento de esta forma básica se configuró el templo griego tal y como hoy lo conocemos. En sus comienzos, los materiales utilizados eran el adobe para los muros y la madera para las columnas. Pero a partir del siglo VII a.C. (período arcaico), éstos fueron reemplazados por la piedra, lo que permitió el agregado de una nueva hilera de columnas en el exterior (peristilo), y con lo que la construcción ganó en monumentalidad.
Entonces surgieron los primeros órdenes arquitectónicos: el "dórico", al sur, en las costas del Peloponeso y el "jónico", al este. Los templos dóricos eran más bien bajos y macizos. Las gruesas columnas carecían de base y el fuste era acanalado. El capitel, muy simple, terminaba en una moldura llamada equino. Las columnas sostenían un entablamiento (sistema de cornisas) compuesto por un arquitrabe (zona inferior) y un friso de tríglifos (decoración acanalada) y metopas.
La construcción jónica, de mayores dimensiones, descansaba sobre una doble hilera de columnas, algo más estilizadas, también de fuste acanalado y con un sólido basamento. El capitel culminaba en dos gráciles volutas y los frisos se hallaban decorados con relieves. Más adelante, en el período clásico ( siglos V y IV a. C. ), la arquitectura griega arribó a su máximo apogeo.
A los dos órdenes ya conocidos se sumó el "corintio", con su típico capitel terminado en hojas de acanto.
Las formas se estilizaron aún más y se agregó una tercera hilera de columnas. El Partenón de Atenas es la más clara ilustración de este brillante período arquitectónico griego.
En tiempos de la dominación helénica (siglo III a. C.) la construcción, que conservó las formas básicas del clasicismo, alcanzó el punto máximo de la fastuosidad. Columnas de capiteles ricamente ornados sostenían frisos trabajados en relieve de una elegancia y factura insuperable.
Videos recomendados:
El imperio Romano
“Actividades en el Aguilucho”
“Pintura griega”
Para poder realizar tu producción visual del proyecto 4 “Pintura Griega” necesitarás los siguientes materiales:
- Cuaderno de dibujo.
- Imagen a color de una pintura griega (la que más te haya gustado) puedes buscar más imágenes en el buscador de google, he aquí una sugerencia:
- https://www.google.com.mx/search?num=10&hl=es&site=imghp&tbm=isch&source=hp&biw=1280&bih=685&q=pintura+griega&oq=pintura+griega&gs_l=img.3..0l8.1320.3684.0.3953.14.10.0.4.4.0.128.900.7j3.10.0...0.0...1ac.1.TOxvVqfFo9M
- 4 cucharadas de café soluble Nescafé (el de etiqueta roja).
- Un vaso pequeño.
- Un poco de agua.
- 1 frasquito de 25 ml de pintura acrílica Vinci color negro.
- 1 pincel del n° 2.
- 1 pincel del n° 4.
- 1 pincel del n° 6.
- 1 lata de laca en aerosol.
Procedimiento:
Observa con mucha atención tu imagen de la pintura griega. Observa todos los detalles, las líneas, las formas, la posición de los cuerpos y demás objetos que conforman la composición. En tu aguilucho intenta reproducir la imagen, realiza los trazos sin calcar, confía en tu capacidad de observación. Una vez terminado tu primer bosquejo o borrador, corrige las líneas que consideres erróneas.
Cuando creas que tu bosquejo está finalizado, podrás comenzar con la aplicación de color.
Prepara tu pintura de café. En el vasito vacía las cuatro cucharadas de café soluble Nescafé. Llena el vasito con un poco de agua, (sólo hasta donde el agua cubra el polvo, tal como lo hiciste en la pintura rupestre).
Con el pincel del n° 4, agita suavemente el café hasta que se diluya por completo en el agua. Comienza a aplicar la tintura de café con tu pincel. Hazlo de manera uniforme cubriendo por completo las superficies que lo requieran. Una vez finalizado, espera un poco a que seque por completo la tintura de café.
Enjuaga suavemente su pincel del n° 4 en un vasito relleno con un poco de agua, no lo agites, solo sumérgelo un par de veces hasta que el café se lave por completo.
Ahora comienza con la aplicación del color negro. Abre tu frasquito de pintura acrílica Vinci (si tienes otra marca de pintura puedes trabajar con ella, no necesitas comprar un frasco nuevo) no apliques agua, necesitamos que la pintura este bien espesa, no necesitamos diluir.
Con el pincel del n°2 aplica la pintura acrílica negra en los detalles como el contorno de los ojos, líneas corporales, etc., y delinea los contornos de las imágenes, de esta manera evitarás que haya excesos de pintura negra en las partes donde ya pintaste con café.
Enjuaga suavemente tu pincel.
Con el pincel del n° 4 amplia las líneas de los contornos negros.
Enjuaga suavemente tu pincel.
Con el pincel del n° 6, aplica la pintura acrílica negra en todas las superficies que lo requieran.
Una vez finalizado el proceso de aplicación de color, espera a que la pintura seque, agita la laca y aplícala en zic-zac a 20 cm aprox. de distancia, hasta cubrir toda la composición. ¡Y listo! ¡Tu pintura griega ha quedado terminada!
PROYECTO 5
El Arte del Cielo:
Arte Gótico.
El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón. Características
El arte gótico se corresponde con la Baja Edad Media, a continuación del románico. Es un período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos contactos con Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales.
Se trata de un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que oscilan aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, dependiendo del área geográfica.
Hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.
Fue un arte que se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y sobre tabla, los manuscritos miniados y las diversas artes decorativas.
El término gótico fue empleado por primera vez por los adinerados del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (gótico deriva de godo) comparado con el arte clásico.
A pesar de ser una continuación del Románico, en el Gótico se aprecian actitudes bastante diferentes e incluso opuestas. Si el Románico es conocido por su oscuridad y recogimiento, el Gótico implica todo lo contrario, luz, color, elevación, expresividad y naturalismo.
El Gótico, como todos los estilos artísticos, tiene variantes regionales. Como ejemplos podemos hablar de la escuela francesa donde destacan las catedrales de Notre-Dame de París, Sens, Chartes, Laon, Reims y Amiens o la Saint-Chapelle levantada por san Luis.
 |
| Catedral de Notre Dame, Paris, Francia. |
La escuela española destaca por las catedrales de León, Burgos, Toledo, Gerona, Barcelona o Sevilla.
 |
| Catedral de León, España. |
La escuela portuguesa con los monasterios de Belem y Batalha o la iglesia de la Orden de Cristo en Thomar.
En Alemania es famoso por las catedrales de Colonia, Estrasburgo o Ulm.
 |
| Catedral de Colonia, Alemania |
Mientras que en Inglaterra cuenta con las catedrales de Gloucester, Salisbury o Lincoln.
En cuanto a la escuela italiana, podemos diferenciar un gótico más revolucionario, contra el tradicional en la catedral de Santa María de las Flores de Florencia, o un estilo más próximo al gótico europeo como en la catedral de Milán.
 |
| Catedral de Milán, Italia. |
Pintura gótica
Un estilo de pintura que pueda llamarse «gótico» no apareció hasta alrededor de 1200, o casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, pero podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania en torno a 1220 e Italia alrededor de 1300. 
Es usual indicar que, mientras en el románico las representaciones figurativas son simplificadas e idealizadas, en el gótico se tiende a aumentar el realismo y naturalismo, aproximándose a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, que, no obstante, sigue siendo poco usual.
En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.
También hay lentos avances en el uso de la perspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento de los soportes (que permiten la mayor difusión de un arte mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes.
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales:
Frescos. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores.
Vidrieras. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV. La máxima expresión del arte en vidrieras fueron los Rosetones Góticos.
Pintura sobre tabla. Comenzaron en Italia en el siglo XIII y se extendieron por toda Europa, de manera que para el siglo XV se había convertido en la forma predominante, suplantando incluso a las vidrieras.
Miniaturas. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica, documentando la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales.
La pintura al óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue el punto de partida del arte renacentista.
 |
| El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434. |
Complementa tu esquema sobre el tema "Arte gótico" visitando:
Videos recomendados:
No olvides hacer tu recorrido virtual por la Catedral más famosa de Francia: Nuestra Señora de París.
http://www.notredamedeparis.fr/
"Actividades en el aguilucho"
Proyecto 5
Proyecto: Rosetón Gótico.
Fecha de entrega 22 de enero*
En este proyecto tendrás la oportunidad de explotar tu
creatividad. La idea es elaborar una producción visual de un rosetón gótico,
puede ser un dibujo, una pintura, un grabado, o una producción plástica ¡Es cuestión
de originalidad!
(He aquí los trazos geométricos en los que te puedes basar para realizar tu rosetón, -tendrás que utilizar escuadras y compás-)
(He aquí los trazos geométricos en los que te puedes basar para realizar tu rosetón, -tendrás que utilizar escuadras y compás-)
Para darte una idea, te comento que en años anteriores,
algunos alumnos realizaron su rosetón gótico utilizando cartulina negra y papel
celofán de colores.
Utilizaron la cartulina negra como base del rosetón gótico; calcaron las formas del rosetón en la cartulina; recortaron y pegaron esta base negra en el cuaderno de dibujo.
Utilizaron la cartulina negra como base del rosetón gótico; calcaron las formas del rosetón en la cartulina; recortaron y pegaron esta base negra en el cuaderno de dibujo.
Después, recortaron el papel celofán de diferentes colores con las formas del rosetón para llenar los espacios
en blanco. Y fue así como realizaron su producción visual de un rosetón gótico.
Otros alumnos decidieron utilizar otros materiales como
pintura acrílica sobre un fondo negro; algunos más optaron por utilizar
pasteles.
No importa la técnica que decidas usar, lo importante es que experimentes con distintos
materiales y elabores un rosetón bastante original y vistoso.
Este proyecto lo deberás entregar el martes 22 de enero de
2013, así que tienes suficiente tiempo para crear tu rosetón.
Así que…… ¡manos a la obra!
*(En el caso de los alumnos de 3° “E” la fecha de entrega
será el jueves 24 de enero del 2013).
Comparto los resultados de búsqueda que me arrojó Google
sobre imágenes de rosetones góticos, sólo debes dar un click en la siguiente dirección electrónica:
Elige el rosetón que más te guste y... ¡A trabajar!
No hay comentarios:
Publicar un comentario